La Virgen y el Niño Jesús
Fresco sobre teja - 37 x 52
Sin firma ni fecha
Ingresó al Museo Castagnino en 1942.
Donación Castagnino

Ref.
Payró, Julio, Donación Castagnino. Obras de arte antiguo, Rosario, Museo Castagnino, 1943.
Echague, Rubén, "Anónimo, s. XVI", en Obras del Museo Castagnino, Buenos Aires, Gaglianone, 1996.

La pintura que en los registros del museo figura como La Virgen y el Niño Jesús fue adquirida por Juan B. Castagnino al Sr. Luis de Servi el 8 de octubre de 1921, procedente de la colección del anticuario florentino Gino Vellutini. En los archivos del museo existen cartas con referencias históricas e iconográficas de la pintura, cuyos firmantes son Louis Demonds, conservador del Museo del Louvre -con fecha del 20 de diciembre de 1924-, Adolfo Venturi -con fecha del 19 de enero de 1925-, Gino Vellutini, anticuario y anterior dueño de la obra -fechada el 8 de diciembre de 1824-, y Conrado Ricci -con fecha del 8 de marzo de 1925-. Los cuatro especialistas arriesgan en sus notas diferentes interpretaciones, pero todos coinciden en la referencia iconográfica miguelangesca. Vellutini la relaciona con la escuela del Pontormo, Ricci también la cree de escuela florentina -próxima a El Bronzino-, y Demonds afirma que la influencia de Miguel Ángel es muy remota, relacionando la obra con los fresquistas de Módena y Parma de fines del siglo XVI: Parmigianino y Lelio Orsi da Novellara.

El fresco de la colección del museo se vincula con los rasgos de la pintura florentina manierista, que en general se caracteriza por composiciones elegantes, aunque artificiosas y rebuscadas, figuras alargadas, colores claros, luces frías y volúmenes definidos con precisión escultórica. Datada en el siglo XVI, es un fragmento de pintura mural. No existen datos acerca de por qué se la ha identificado iconográficamente con el motivo de la Virgen y el Niño Jesús. Más bien parece una interpretación del modelo del beso de la composición Venus y el amor de Miguel Ángel (en la colección Farnese del Museo y Galería Nacional de Capodimonte) que según Giorgio Vasari fue ideada por el artista y que representa una meditación acerca de la doble naturaleza del amor -espiritual y sensual- luego pintado por el Pontormo. El dibujo fue realizado por encargo de Bartolomeo Bettini para la decoración del dormitorio de su palacio florentino entre 1532 y 1533 y posteriormente numerosas fueron las copias e interpretaciones con variantes atribuidas a diferentes artistas florentinos. Se conocen, como mínimo, cuatro versiones de la obra original de Miguel Ángel-Pontormo pintadas por Vasari, Bronzino, Allori y Michele di Rodolfo, el Ghirlandaio.
Nuestra pintura debería ponerse en relación con el dibujo de Miguel Ángel, aunque ha habido algunos cambios en la composición, como también los hubo en la versión de Bronzino: uno es la torsión del niño, en el dibujo original, el brazo que rodea el cuello de la figura femenina es el izquierdo y aquí es el derecho, simplificándose la postura del conjunto. Otra de las variantes es la mano de la mujer que se apoya en el hombro derecho del niño, es una mano estilizada que queda cortada por los bordes de la pintura. Esta mano, que en nuestra pintura parece corresponder a la figura femenina, puede relacionarse con la mano de Cupido de la composición de Bronzino: se presenta alargada y en postura casi idéntica.

María de la Paz López Carvajal